Philippe Langlois – Page 5 – Bells of Atlantis

21 décembre 201322 décembre 2022 Philippe Langlois Auditorium -cinema, performances, Live-|Musée du son

GUITAR DRAG, Christian Marclay (1999)

Le 18 novembre 1999, Christian Marclay réalise Guitar Drag un film de 14′ qui documente une performance qu’il a mené à San Antonio dans le désert du Texas mettant en scène une guitare tiré au bout d’un corde par un pick up équipé d’un puissant ampli déposé dans le coffre à l’arrière du véhicule.

« Guitar Drag possède de nombreuses couches de références, il fait allusion au rituel qui consiste à briser les guitares électriques dans les concerts de rock, il rappelle Fluxus et ses nombreuses destructions d’instruments. C’est aussi un road movie, faisant référence au paysage du Texas où il a été tourné, avec des références aux cow-boys et aux rodéos. Il s’agit de la violence en général et plus particulièrement du lynchage de James Byrd Jr. qui a été traîné jusqu’à la mort derrière un “pickup-truck“. Je souhaite que la vidéo comporte ces multiples couches et déclenche l’imagination des gens dans des directions contradictoires. La pièce finit par être à la fois séduisante et répugnante.

* « Guitar Drag has many different layers of references, it alludes to the ritual of smashing guitars in rock concerts, it recalls Fluxus and its many destruction of instruments. It is also a road movie, with reference to the landscape of Texas where it was filmed, with references to cowboys and rodeos. It is about violence in general and more specifically about the lynching of James Byrd Jr. who was dragged to his death behind a pickup-truck. I want the video to have these multiple layers and trigger people’s imagination in contradictory ways. The piece ends up being seductive and repulsive at the same time ».

Christian Marclay, 2001, livret de l’édition vinyl par le label suédois Neon Records en 1500 exemplaires publiée en 2006.

26 novembre 201324 février 2015 Philippe Langlois En vedette|Musée du son|Musique contemporaine|sculptures et objets sonores

BOX WITH THE SOUND OF IT’S OWN MAKING, Robert Morris (1961)

Bois (24.8 x 24.8 x 24.8cm), haut parleur, durée 3h1/2.

Né en 1931, Robert Morris est considéré avec Donald Judd comme l'un des principaux théoriciens du minimalisme. Proche des compositeurs La Monte Young et John Cage, sa pièce Box with the Sound of its Own Making est à la fois un hommage au Ready Made de Marcel Duchamp tout en contribuant à développer l'idée d'une sculpture minimaliste dans le sillage du Process Art, rejetant toute approche romantique dans le processus de création artistique.
Robert Morris réalise cette œuvre en janvier 1961 à New York. La boîte est constituée de six pièces de bois reliées entre-elles pour former un cube parfait de 28 cm de côté.
Pendant les trois heures et demi que durent la construction de la boîte, Robert Morris procède à un enregistrement audio où sont prélevés l'intégralité des bruits de la construction : découpage à la scie, marteau, ponçage, déplacements de l'artiste dans son atelier, etc.
Dans son principe d'exposition, la boîte donne donc à entendre les sons de sa fabrication au spectateur grâce à un petit haut parleur situé à l'intérieur de la boîte qui permet de réactiver la création de l'œuvre en temps réel.
Dans le cercle artistique de Morris, la boîte est également perçue comme une forme de performance musicale. John Cage, visitant l'atelier de Morris considéra l'œuvre comme un concert privé, s'installant face à elle pour écouter l'intégralité de l'enregistrement.
Echappant à tout idée de classification artistique, Box with the Sound of its Own Making met en lumière les relations qui peuvent unir sculpture et musique, perception visuelle et acoustique, objet et processus créatif.

L'enregistrement ci-après est une simulation reconstitution réalisée par Kate Blacker.

BEGONE DULL CARE, Norman Mc Laren (1949)

Dans sa quête de voir ce que l'on entend et entendre ce que l'on voit, Norman Mc Laren réalise Begone dull Care en 1949, un des plus beaux exemples de musique visuelle façonné à même la matière/pellicule selon les techniques du "Direct Film", par ajout de peinture sur de la pellicule transparente, par grattage de couches de couleurs successives sur la pellicule. Ce film expose de la manière la plus virtuose qui soit la complémentarité audiovisuelle et constitue l'un des films les plus incroyable dans le domaine de la musique visuelle.

16 septembre 201330 août 2014 Philippe Langlois En vedette|Les cloches d'Atlantis|Revue de Presse

MOUVEMENT, de Jérôme Provencal, printemps 2013

Article de Jérôme Provencal dans le numéro de mars/juin 2013 de la revue mouvement.

11 juillet 20131 novembre 2022 Philippe Langlois Auditorium -cinema, performances, Live-|Créations|Films|Musique contemporaine

GERMINATION, de Jean-Luc Hervé, (2013), Images d’une œuvre #16

Ce film s’inscrit dans la série documentaire « Image d’une oeuvre » produite par l’Ircam qui vise à documenter aujourd’hui, tout le déroulement du processus créatif d’un compositeur ou d’une compositrice confronté à l’utilisation de la technologie pour prolonger les enjeux artistiques et expressifs de son projet musical.

Film de Christian Bahier et Philippe Langlois

Germination est un concert-installation, performance qui enchaîne une installation sonore a une pièce de concert. L’œuvre à pour modèle le développement végétal de la graine en sous-sol à la plante en surface.

10 juillet 20131 novembre 2022 Philippe Langlois Auditorium -cinema, performances, Live-|Créations|Musiques de films

(2013) f, de Natacha Nisic

Vidéo, couleur, sonore, 18 min.

f, comme Fukushima (2013). Deux ans après la catastrophe, Natacha Nisic se rend à Fukushima et observe les paysages, les villages et les habitants qui ont subi les ravages du tsunami et des radiations de la centrale. Grâce à un dispositif composé d’un travellig de 25 mètres et de miroirs verticaux de 30 centimètres de large disposés à différents intervalles, l’artiste permet au spectateur de voir en même temps le champ et le contre-champ, l’avant et l’après. Lorsque la caméra passe devant un miroir, une image mobile du contre-champ se déplace en travelling horizontal dans la direction opposée sur la largeur du miroir. Cela constitue, sans trucage, le jeu d’une image dans une autre, d’un mouvement dans un autre, d’un paysage et de son contraire. Le dispositif permet de conjuguer le temps des déplacements et des espaces en un seul regard.

L’ANGE, de Patrick Bokanowski (1984)

La mise en scène de gestes anodins et primordiaux de la vie est présente dans les trois premiers films de Patrick Bokanowski, La femme qui se poudre (1972), Le déjeuner du matin (1979) et trouve son accomplissement dans L’ange (1984), accompagnés de cette obsession répétitive qui caractérise également la musique de Michèle Bokanowski. Avec des frottements de tôle répétés, joués à l’archet et transformés dans La femme qui se poudre, des fragments de quatuor à corde retravaillé et mis en boucle dans L’ange, Michèle Bokanowski s’accorde à prolonger véritablement la structure intrinsèque de l’image. A tous les niveaux, la transformation est érigée en principe fondateur. Avec le couple Bokanowski, le cinéma devient l’art de fabriquer un monde de l’imaginaire entièrement subjectif.
Michèle Bokanowski établit son vocabulaire sur la même base que les images : éléments concrets retravaillés (objets sonores ou instruments), mise en boucle, déphasage et multiplication créant une tension et à un paroxysme avant d’entrer dans une nouvelle séquence.
Si Patrick Bokanowski se passionne pour les gestes du quotidien, c’est plutôt ce qui se passe à l’intérieur des personnages, pendant qu’ils font ces gestes, qui motive Michèle Bokanowski. Elle parvient, ainsi, à matérialiser l’impossible état de tension auquel les personnages sont soumis, prisonniers de leurs gestes et de l’univers étouffant qui les environne.
Le plus souvent, la musique crée une distance avec l’image sauf à certains moments, où des synchronismes très marqués apparaissent furtivement, comme quelque chose qui tombe brutalement sur l’image et à laquelle on ne s’attend pas, créant une surprise totale renforçant cette temporalité déviée qui n’appartient qu’à l’instant.

7 avril 201330 août 2014 Philippe Langlois En vedette|Les cloches d'Atlantis|Revue de Presse

RESMUSICA, de Michèle Tosi, 2 avril 2013

Les cloches d’Atlantis de Philippe Langlois

Le 2 avril 2013 par Michèle Tosi

Sous ce titre bien sonnant – qui fait directement référence au film expérimental de Ian Hugo, Bells of Atlantis de 1951 – Philippe Langlois retrace l’histoire des inventions sonores au cinéma, de ses origines, avec le cinématographe futuriste des années 1910, jusqu’au cinéma expérimental des vingt dernières années faisant appel au dispositif sonore électroacoustique: une trajectoire d’un siècle qui met en lumière, et en résonance, les rapports qu’entretient le cinéma avec les technologies du son.
S’élabore ainsi une pré-histoire des musiques électroacoustiques dans le sillage de nombre de « trouveurs » géniaux (Luigi Russolo, Dziga Vertov, les frères Whitney, Pierre Schaeffer… ) et leurs inventions, décisives pour la sonorisation de l’image, comme la synthèse optique ou la musique concrète.

Dans deux chapitres connexes, « Musique concrète et cinéma » et « Le service de la recherche », Philippe Langlois revient sur la personnalité de Pierre Schaeffer et sur sa pensée de l’image, « aventure essentielle pour saisir l’envergure du parcours intellectuel de ce chercheur en art-média » précise l’auteur. Après le Studio d’Essai de la rue de l’Université, Pierre Schaeffer est nommé, dans les locaux de la RTF, à la tête du Service de la Recherche qu’il dirigera de 1960 à 1974. On a recensé durant ces 14 années 114 films conçus en collaboration avec les compositeurs du GRM (Pierre Schaeffer, François Bayle, Bernard Parmegiani, Luc Ferrari, Robert Cohen-Solal, Ivo Malec, Pierre Henry…) dont Philippe Langlois sélectionne les productions les plus importantes bien que souvent fort peu connues. Après 1950, et à côté du cinéma d’auteur (Alain Robbe-Grillet et sa collaboration avec Michel Fano, Tarkovski/Artemiev…) c’est le cinéma fantastique et de science-fiction (aux Etats-Unis notamment avec Ian Hugo, Fred McLeod Wilcox, Arthur Hilton…) et le cinéma expérimental (Found Footage), en marge des circuits commerciaux, qui développent les moyens d’une nouvelle lutherie électronique et se rapprochent étroitement de la pratique musicale électroacoustique.

Sous sa plume passionnée et au terme d’un travail de recherche de plus de dix ans qui nourrit cette somme impressionnante, Philippe Langlois révèle un pan de l’Histoire de la Musique et du Cinéma tout à fait inédit dont on peut prolonger la découverte par le biais du site internet lesclochesdatlantis.com où de nombreux extraits vidéo, sonores et iconographiques viennent illustrer le propos et ancrer cette étude dans un univers de création extrêmement fécond.

http://www.resmusica.com/2013/04/02/les-cloches-datlantis-de-philippe-langlois/

1 avril 20132 novembre 2022 Philippe Langlois Musiques de films|Non Classé

(2013) LOUPS SOLITAIRES EN MODE PASSIF de Johanna Grudzinska

Ce film a remporté le prix de la meilleure musique de film au Festival International du Moyen Métrage de Valence (La Cabina)

À seize ans, Élisa s’ennuie dans une banlieue pavillonnaire.Un soir, elle découvre un livre dans la bibliothèque de son beau-père. Les mots crus et tendres d’une écrivaine prostituée vont donner une couleur inattendue à son désir.

Musique originale et claviers : Philippe Langlois

Chant : Gérald Kurdian

Basse : Floy Krouchi

Guitare : Benoist Bouvot

Batterie : Marc-Aurèle Ngo Xuan

Enregistrement par Dounia Trabelsi à Main d’oeuvre, Saint Ouen

Mixage : Jean-Charles Versari à Commune Image

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Musique additionnelle : « This is the hello monster », Arms, Gomette Production

INTONARUMORI & L’ART DES BRUITS, de Luigi Russolo (11 mars 1913)

Le Bruitisme a cent ans…

Le terme "intonarumori" provient de la contraction des mots italiens intonare (chanter) et rumori (bruits) qui désigne la possibilité de faire chanter ou d'entonner les bruits.

La révolution du mouvement futuriste dans le domaine musical émane du Bruitisme du peintre Luigi Russolo, décrit dans son ouvrage l’Art des bruits qui vient compléter, de façon éloquente, les idées futuristes dans le domaine du timbre. C’est prétendument au cours de la soirée futuriste du 9 mars 1913, au théatro Costanzi de Rome, que Luigi Russolo, à l’audition de la symphonie de Pratella L’hymne à la vie, eut une « intuition révolutionnaire », « le Bruitisme » : étendre le champ du timbre à l’utilisation du bruit dans une perspective musicale. Nous savons aujourd’hui que cette idée était en réalité antérieure au concert du 9 mars, et qu’elle fut présentée comme telle pour ménager la susceptibilité de Pratella, désigné comme le compositeur futuriste officiel. C’est ainsi que Russolo écrivait deux jours plus tard, le 11 mars 1913 une « lettre manifeste » élogieuse à l’attention de Pratella dans laquelle on peut lire :

« (…) Chaque bruit a un ton, parfois aussi un accord qui domine sur l’ensemble de ses vibrations irrégulières. L’existence de ce ton prédominant nous donne la possibilité pratique d’entonner les bruits, c’est-à-dire de donner à un bruit une certaine variété de ton sans perdre sa caractéristique, je veux dire le timbre qui le distingue. Certains bruits obtenus par le mouvement rotatoire peuvent nous offrir une gamme entière ascendante ou descendante soit qu’on augmente, soit qu’on diminue la vitesse du mouvement. (…)»

(Russolo, l'art des bruits, 11 mars 1913)

Voici cinq exemples d'instruments bruiteurs de Luigi Russolo, dans l'ordre : Crepitatore, Ullulatore, Gracidatore, Gorgogliatore, Ronzatore.

Intonarumari de Luigi Russolo

Quelques exemples de musiques qui intègrent les bruiteurs de Rossolo au sein d'une formation instrumentale :

– Corale (1921) de Antonio Russolo, frère de Luigi à partir d'un enregistrement original de 1921.

– L’aviatore dro opus 33 (1913-14), opéra de Francesco Ballila Pratella pour soprano et piano où l’utilisation des instruments bruiteurs de Russolo est intégrée au sein d’une écriture musicale classique.